CRÓNICAS DEL BLUES: GARY MOORE

Hace tiempo que no escribo sobre blues, sobre todo estas crónicas tan apasionantes; la mejor manera de acercar el blues a mis lectores.

En este capítulo os traigo a Gary Moore, aunque “descubrió” tarde el blues, su ingenio como guitarrista lo pusieron rápidamente en su sitio entre los bluesman blancos. Le dedico este post a él, primero porque es mi guitarrista favorito y segundo porque es el máximo exponente del blues en su Irlanda natal.

Gary Moore nació en Belfast en 1952, a la edad de ocho años consiguió una guitarra de mala calidad, pero a los catorce tuvo su primera guitarra eléctrica. En 1968 a la edad de dieciséis años abandonó Belfast trasladándose a Dublín, y allí conoció a Phil Lynott, por aquel entonces vocalista de Skid Row, y Moore se incorporó como guitarrista.

Gary Moore segundo por la dcha con Thin Lizzy

En esta etapa, Peter Green (Fleetwood Mac) apadrinó a Skid Row grabando dos discos Skid Row (1970) y 34 Hours (1971). Después de esta formación probó iniciar en solitario y grabó acompañado de músicos de sesión Grinding Stone (1972).

En 1974 se trasladó a Inglaterra y se reencontró con Phil Lynott, y lo invitó a tocar en la gira estadounidense de Thin Lizzy, Lynott era el vocalista y bajista de dicha banda. Sustituyó a Eric Bell en la guitarra y colaboró reemplazando a Brian Robertson en el disco Black Rose: A rock legend (1977).

A partir de los ochenta relanzó su carrera en solitario con discos como Back on the streets (1978), Corridors of Power (1982), en este trabajó se acercó al heavy metal alejándose del blues rock. El éxito más puntero de Moore en los ochenta fue "parisienne walkways", una balada grandiosa. En este período lanzó a la venta Victims of the future (1983) siendo su álbum más puntero en esta época. En esta década nos aportó un disco en vivo Live at the Marquee (1983). Aparte de estas publicaciones, en estos años publicó We want Moore! (1984), Wild Frontier (1987)...

Portada Still got the blues (1990)

Ahora centrémonos en su época de bluesman que es la que interesa. Seguramente debido al cansancio de tocar rock duro y heavy, se fue influenciando por otros géneros como la música celta, hasta acabar publicando en 1990 Still got the blues, un disco intimista, tranquilo con alto contenido blues, pero más bien es un álbum de rock sosegado y blues rock con temas como "walking by myself" (Jimmy Rodgers) o la propia "still got the blues" (Moore), en la que los solos acaban acaparando la canción al final del tema. O versiones como "all your love" (Otis Rush), "oh pretty woman" (Ac Wlilliams) engrandecen el disco porque Moore hizo los temas suyos con sus interpretaciones de estas canciones. Este fue el primer trabajo de Gary de la etapa blusera. Este disco tuvo colaboraciones de Albert King, Albert Lee y George Harrison que aportó el tema "that kind of woman". Un disco grande donde los haya en el que el blues y el rock and roll se unen para asombrarnos con la brutalidad de Moore.

Siguiendo la estela de este gran trabajo, en 1992 publicó After Hours. Un álbum más tranquilo, contiene dos baladones como "story of the blues" y "separate ways", ambas compuestas por Moore, el sonido es más americano que el anterior. Cómo no, colaboró para este trabajo con B.B. King en "since i met you baby". También hay versiones como "key to love" (Mayall) o "woke up this morning" (B.B. King). Para mi gusto no es tan redondo como el anterior, pero igualmente hay que dedicarle tiempo y escucharlo como merece. 
A estas alturas Gary Moore ya se había ganado un merecido hueco entre los bluesman más poderosos como B.B. King, John Mayall o Eric Clapton.
Estos dos trabajos fueron la antesala del mejor directo de Gary Moore, por lo menos para un servidor, Blues Alive (1993) es la recopilación de dos actuaciones entre el 20 de Mayo y 5 de Octubre de 1992. En este directo escuchamos al Gary Moore auténtico, palpando la brutalidad en las canciones marchosas y angustia en las lentas. Acompañado de su Gibson Les Paul, la distorión es muy dura, rozando el heavy, pero es el Moore bluesman pero a su manera, salvaje, directo sin contemplaciones, sublime. Comienza con "cold day in hell" (Moore), pasando por "too tired" (Davis, Watson), "still got the blues" (Moore), hasta dejarnos caer en "parisienne walkways" (Moore). Sin duda un gran álbum en directo donde suena el mejor Gary Moore.

Portada Blues Alive (1993)

En esta década, los noventa, no volvió a tener ningún gran éxito como los tres que acabo de mencionar. En el 97`publicó Dark days in paradise (1997) en el cual regresó al rock duro comercial apartándose durante un tiempo del blues. Aunque no consiguió el éxito esperado, sin duda lo suyo era el blues, este género fue el que le dio la grandeza que merecía. Pero, en 1999 hizo la mejor colaboración que podía hacer, se unió a Ginger Baker y Jack Bruce (batería y bajista de Cream respectivamente) para grabar un álbum maravilloso bajo el nombre de BBM en un álbum llamado Around the next dream. Buenas canciones por tres grandes músicos y quedó reflejado en temas como "glory days" o "waiting in the wings", pero el disco no obtuvo las ventas esperadas, ¿y qué?, nos quedó un excelente trabajo entre tres amigos.

Poco más se puede añadir sobre este gran artista. En 2008 tuve la suerte de verlo en vivo en el Festival de Jazz de San Javier y fue brutal, salvaje, me quedé embobado todo el concierto. La carrera de Gary Moore continúo hasta su muerte en 2011 por un paro cardíaco en Estepona (Málaga). En este post he recogido lo principal de Moore y lo más importante y sus mejores discos de blues. Un bluesman sin parangón fue el señor Gary Moore no a la altura de los grandes, los sobrepasó con creces dando una nueva perspectiva al blues.

Martes, veinte y cuatro de Septiembre de dos mil trece.

Isla de Tenerife.

Pedro Molina.

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PERDIDOS EN EL TIEMPO: GOMA

Hubo un tiempo en el sur de España, concretamente en Andalucía donde emergieron una oleada de músicos y bandas, muchas hoy están en el olvido pero otras como Triana o Smash llegaron al gran público y están presentes en las retinas de muchos aficionados en la actualidad. Todas estas bandas tenían un punto en común, las ganas de hacer algo diferente y demostrar que en Andalucía se hacía algo más que flamenco.

Una de esas bandas fue Goma, creada en Sevilla impulsada por una galería de arte llamada Centro de arte M-11. En 1974 comenzaron su andadura integrada por Pepe Sánchez (saxo tenor), ex miembro de Gong, Manolo Rodríguez (guitarra), Germán Rodríguez y Alberto Toribio (teclados), Pepe Lagares (bajo), ex componente de Veneno y Antonio Smash (batería) y ex de Smash.

Goma tuvo la suerte de contar con estos buenos músicos para grabar su único LP llamado 14 de Abril, lanzado en 1975. Produjeron el disco bajo el sello Gong de Movieplay. 

Portada 14 de Abril

Con la poca información existente acerca de esta banda, os daré mi impresión de su único trabajo. Al escucharlo consigues palpar la simbiosis del mejor rock progresivo, el flamenco y el jazz. Una visión alucinante de movimientos musicales acompañados de piezas largas en las que la embustera improvisación crea una danza espeluznante y maravillosa. En el tema "un nuevo abril sin sal", el rock progresivo hace su incursión desde el principio sonando a grupos como Camel. El saxo le da ese aire jazz y las voces un tono pop. Subiendo (shotin´up) es una delicia en cuanto a melodías suaves al más puro estilo de San Francisco. "Aquí y ahora" es una canción épica que no puede faltar en un trabajo redondo. King Crimson, Camel y lo mejor del final de los sesenta se mezclaron en este magnífico trabajo. La banda se disolvió en 1976.

Goma fue de esas bandas que lideraron el rock andaluz de los primeros setenta. Una pena que no sean lo suficientemente conocidos porque su trabajo es impresionante. 

Martes, veinte y cuatro de Septiembre de dos mil trece.

Isla de Tenerife.

Pedro Molina.

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RECOMENDACIÓN PARA EL FIN DE SEMANA

Un amanecer despejado en este último sábado de verano, y para despedirlo lo haremos por todo lo alto y en la  más absoluta dureza. Os traigo una de las canciones más vibrantes de Deep Purple, "speed king" perteneciente al disco In Rock (1970). El año en el que Ian Gillan y Roger Glover iniciaron una nueva etapa de la banda británica, para endurecer y participar en uno de los grupos más influyentes de la historia del rock, junto a Ritchie Blackmore, Ian Paice y Jon Lord dieron al mundo grandes canciones, discos y un sonido único.

In Rock (1970)

Sábado, veinte y uno de Septiembre de dos mil trece.  

Isla de Tenerife.

Pedro Molina.

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A NIGHT AT THE OPERA

En este capítulo de Clasicazos, voy a desmenuzar este álbum de Queen publicado el 21 de Noviembre de 1975 en el Reino Unido, y el 2 de Diciembre del mismo año en Estados Unidos. El disco fue un punto de inflexión en la banda británica, primero porque fue el disco más arriesgado de Queen hasta la fecha tanto musicalmente como económicamente, (siendo la producción más cara del grupo hasta la fecha), y segundo, el álbum fue el primero grabado en Emi tras a ruptura con Trident y el anterior manager, Norman Sheffield. Como curiosidad, el nombre del álbum es una referencia a la película de los hermanos Marx del mismo título.

En toda carrera artística, de un trabajo a otro hay similitudes y evolución; esto le pasó a Queen. Después de tres álbumes grabados con cierto éxito, Queen (1973), Queen II y Sheer Heart Attack ambos de 1974. 

Portada A night at the opera (1975)

Este último tuvo más aceptación del público, incluso en Japón, donde hicieron una gira antes de entrar de nuevo al estudio en 1975. Con la ruptura de su anterior discográfica y manager, la banda comenzó una nueva etapa en Emi publicando el trabajo del cual hablamos. Metidos en materia comenzamos a analizar canción a canción.

El primer tema, "death on two legs (dedicated to…)", es una canción de Freddie Mercury en la que se vengó del expolio de Norman Sheffield hacia Queen, por el mal reparto de las ganancias en los tres trabajos anteriores, prácticamente vivían en la pobreza durante la gestión del exmanager. En lo musical desde este primer corte se nota el cambio o evolución de Queen hacia un rock más oscuro. Una melodía de piano de Mercury acompañada por un riff de Brian May y unos arreglos vocales magistralmente ejecutados. Oscuridad, rencor, angustia, son sentimientos palpables en este tema, en los que Freddie sacó su lado oscuro y maligno.

Del rock oscuro a las melodías alegres de cabaret en "lazing on a sunday afternoon". Otro tema de Mercury en el que el piano es de nuevo el instrumento principal y su voz, distorsionada le dan un aire retro con aire a viejo. Muy bien acompañado por May, Deacon y Taylor con una sólida base rítmica y buenos arreglos de guitarra. También es la canción más corta de Queen con una duración de un minuto y ocho segundos.

El siguiente corte es la aportación en la composición de Roger Taylor (batería), "i´m in love with my car". Si no hubiera estado Mercury, Taylor habría sido el vocalista principal del grupo. En esta canción la voz principal arrolla al rock haciendo de éste un estilo mediocre en la voz de Roger, -así se debe cantar señores-, me hace pensar cuando la escucho. Acelerones a “pie de tabla” sin dejar que el motor se relaje durante toda la canción. El tema es una muestra de la pasión de Taylor por los coches, fue cara B del sencillo Bohemian Rhapsody.

Y ahora, señoras y señores, el gran John Deacon (bajista) nos trae la cuarta canción, "you´re my best friend". El tapado de Queen fue Deacon porque no destacó igual que sus compañeros, dado su carácter de hombre tranquilo,  pero una cosa debo decir, los temas que más dinero dieron a la banda los compuso el bajista. Fue el segundo sencillo del trabajo, lanzado el 18 de Mayo de 1976 alcanzando el puesto número 7 en el Reino Unido. Una apuesta segura del grupo cercana al pop más comercial y un himno en sus conciertos. Deacon compuso la canción para su esposa Verónica. La canción tiene un piano eléctrico como instrumento principal, cosa que a Freddie no le gustaba y fue el propio John el que lo tocó en la grabación, llevando parte del peso de la rítmica junto al bajo.

Queen en 1975

Llegando a la mitad de este precioso camino nos encontramos con "39´", la primera canción escrita por Brian May (guitarrista) en el disco. Cantada por él mismo, es una muestra de la pasión de May por la astronomía y la ciencia. El tema nos cuenta la historia de unos astronautas que viajan en una nave en busca de nuevos mundos, al regresar a la tierra 100 años después ven que el mundo ha cambiado. Voces celestiales introducen los primeros acordes en una canción folk, sencilla, pero con una filosofía, la de Brian May y su particular visión de las cosas. El corte fue incluido en la cara B del sencillo You´re my best friend. Interpretada de diferente forma en el disco que en directo, como se puede apreciar en el álbum Live Killers, en vivo la cantaba Freddie y cambiaban algunos acordes de la introducción.

Seguimos con "sweet lady", otro tema de Brian May y de los más rockeros del trabajo. Cantado por Freddie, con Brian y Roger a los coros; el sonido de la guitarra proviene de la Red Special de May. Para Roger, la batería fue de las más difíciles que interpretó con Queen, y se puede afirmar que fue el tema predecesor de Tie your mother down (A day at the races) por el estilo caótico y asalvajado.

Cerrando la cara A del trabajo tenemos "seaside rendezvous", un foxtrot al estilo del blues de los años veinte. Compuesta y cantada por Mercury magistralmente dando muestras de su gran voz y destreza cantando y tocando el piano. En la parte central grabaron unos ruidos y sonidos de un "kazoo (mirlitón)" a manos de Taylor y Mercury. Una canción que invita a tomar algo rápido para seguir paladeando este gran trabajo.

Aprovechando este descanso debemos situarnos en la época de grabación de este disco. El mundo del rock era “propiedad” de bandas como Deep Purple, Led Zeppelin o Black Sabbath, y Queen deseaban abrirse paso en el rock duro o heavy rock. A night at the opera los llevó a la cima de los dioses del rock como intérpretes y compositores, haciendo suyo un estilo único y original destacando entre los otros grupos como pieza clave del universo rock.

Comenzando con la cara B tenemos "the prophet´s song", otro tema de Brian May. En este corte la voz solista estuvo a cargo de Brian y Freddie. La canción nos cuenta un sueño de May en el que pasaba una enfermedad. Este tema es conocido por la coral central a cargo de los cuatro integrantes del grupo en el que unas voces se comen a otras sumándose por detrás, subiendo y bajando como una coral, una idea bestial que enriquece el tema hasta convertirlo en algo más que una canción rock. Una canción guitarrera, melódica y rebelde por la apuesta tan arriesgada que supuso la estructura y los arreglos, una tónica a lo largo del trabajo, pura ambición y riesgo. En esta parte se repiten reiteradamente frases como “listen to the mad” o “listen to the wise” aparte del característico “la la la la”...

Foto de promoción del álbum

El final del corte anterior se une al comienzo de "love of my life". Compuesta por Mercury, cantada y tocada por él mismo al piano. En este tema se nota la influencia clásica de Freddie, en este caso se ve claramente una reseña a Chopin. Brian aparte de la guitarra, ejecutó los acordes de arpa. Un canto al amor en una situación de abandono, ruegos a la vuelta del amor perdido. En directo la tocaban en acústico en la que Brian tocaba la guitarra de doce cuerdas. Esta canción ha tenido sus versiones de manos de Extreme, Scorpions o la banda rumana Iris.

Llegando al final tenemos una dulzura como "good company" de manos de Brian May, en la que cantó la voz principal aparte de todas las guitarras, el banjo, el ukelele, menos el bajo y la batería. La canción narra la historia de un hombre de avanzada edad, en su juventud su padre le daba consejos respecto a las relaciones personales. Un tema divertido relajando el éxtasis musical para dar paso a...

Casi cerrando por descanso del personal como en los bares, nos llega "bohemian rhapsody", el tema estrella del disco y lanzada como sencillo el 31 de Octubre de 1975. Escrito por Freddie, es el tema estandarte de la banda tanto en el disco como en vivo. Un himno de la historia de rock en los últimos cuarenta años. No es una canción al estilo del rock o el pop, no posee estribillo, más bien es una rapsodia clásica compuesta por seis partes, una sección vocal como intro, una balada, un solo, una parte de ópera, una parte de rock y un final que retoma la parte de balada. La letra nos cuenta la historia de un reo condenado de asesinato, el cual escribe una carta a su madre desde la cárcel. La parte de ópera es una sucesión de referencias como “fandango”, “scaramouche”, “Galileo”, “Fígaro” o “Bismillah”. La estructura musical es claramente clásica al estilo de ópera, pero no fueron los primeros en hacer algo así, The Beatles en su tema A day in the life siguieron una estructura similar. Los coros fueron a cargo de Mercury, May y Taylor interpretados en medio, grave y alto respectivamente. La parte rock tanto en el solo como al final es sello Queen por los cuatro costados. Sin duda una de las mejores composiciones de todos los tiempos.

Freddie (izqda), John Deacon (centro) y Brian (dcha) 

Terminando igual que los conciertos de Queen nos damos de bruces con "god save the queen", arreglado e interpretado por May para el disco.

Un encuentro de sentimientos y pensamientos nos deja el trabajo, plasmando la vida diaria del grupo sobre todo antes de firmar con Emi, declaraciones de intenciones, religiosas, filosóficas de los cuatro componentes al realizar este gran álbum, sin duda de los mejores discos que he escuchado.

Una obra maestra del s. XX de esta banda británica que tantos himnos nos dejó a lo largo de su carrera.

Freddie Mercury: voz principal, coros, piano de cola.

Brian May: voz solista (39´), coros, guitarras, banjo y ukelele (good company) y arpa (love of my life).

John Deacon: bajo, piano eléctrico (you´re my best friend).

Roger Taylor: batería, coros, voz principal (i´m in love with my car).

Productor: Roy Baker.

Sábado, catorce de Agosto de dos mil trece.

Isla de Tenerife.

Pedro Molina.

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RECOMENDACIÓN PARA EL FIN DE SEMANA

Para este fin  de semana tormentoso, eso dijeron las noticias que tendríamos en Canarias; os he traído una canción que en estos tiempos puede venir muy bien, "bulls on parade" de la banda estadounidense Rage Against The Machine. El tema pertenece al álbum Evil Empire (1996). La canción es otra muestra del compromiso de la banda en el plano político; esta vez es una lucha particular en contra de la industria militar. Como anécdota, durante la presentación del álbum en el programa Saturday Night Live colgaron banderas americanas boca abajo en los amplificadores y los obligaron a abandonar el edificio.

Portada Evil Empire (1996)

La única banda de los últimos veinte años que ha luchado por los derechos de pensamiento de la gente que quiera escuchar el mensaje de sus canciones.

La semana que viene más rock.

Viernes, trece de Septiembre de dos mil trece.

Isla de Tenerife.

Pedro Molina.

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RECOMENDACIÓN PARA EL FIN DE SEMANA

Para este fin de semana cambiante de calor a un calor más relajado y fresco, os recomiendo una canción de Extremoduro llamada "extremaydura" de álbum Rock Transgresivo (1989). Un himno de la banda extremeña a lo largo de su carrera, de las canciones más coreadas en sus directos.

Rock Transgresivo (1989)

La semana que viene más rock.

Sábado, siete de Septiembre de dos mil trece.

Isla de Tenerife.

Pedro Molina.

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