SPACE ODDITY

Para esta edición de Clasicazos haremos un viaje por Space Oddity de David Bowie. Poco hay que añadir de este estupendo disco del músico británico, pero como siempre aportaré mi visión personal de lo que siento al escuchar las canciones de esta obra. Considerado por muchos el primer disco de Bowie, para mi es un gran álbum, el primero en el que tomaron en serio el trabajo de David Bowie.

Situándonos cronológicamente hasta llegar a este trabajo, Bowie pasó unos años intentando triunfar en varios grupos y sobre todo con su primer disco en solitario llamado David Bowie (1967). Space Oddity fue lanzado para su venta en el Reino Unido el 7 de Noviembre de 1969 y en Estados Unidos en 1972. Grabado en los míticos estudios Trident de Londres, Bowie encontró la fórmula para ser aceptado por la industria como artista y genio de la música popular.

El primer corte "space oddity", Bowie basó la composición en la película 2001: Una Odisea en el Espacio de Stanley Kubrick. La canción fue sencillo en 1969 teniendo como cara B el tema Wild Eyed Boy From Freecloud perteneciente a este álbum. En la canción el protagonista es el Mayor Tom. Para algunos críticos este tema es una analogía del consumo de heroína sobre el espacio de tiempo entre el pinchazo y el subidón. “Este es el Mayor Tom a control terrestre estoy atravesando la puerta y estoy flotando en una manera muy peculiar”, esta estrofa puede dar pie a creer en el consumo de heroína, pero no sólo las drogas son capaces de hacernos flotar. Para mi es un intento más de la crítica de interpretar las canciones de artistas de rock alrededor del mundo del exceso. Es una gran canción, una de las mejores de Bowie y de la música popular en general. Un tema folk y pop, sencillo y con grandes detalles, sobre todo el teclado que acompaña a la canción en todo momento. Como curiosidad esta canción fue utilizada por la BBC como sintonía de la llegada del hombre a la Luna.

-La mecha ha sido prendida y el viaje por esta obra ha comenzado, abróchense los cinturones mientras despegamos-.

Portada Space Oddity (1969)

Una vez completado el despegue hacia las estrellas pasamos por la segunda canción "unwashedand somewhat slightly dazed" es un tema de clara influencia folk, pero más movido que Space Oddity. Una canción en la que la guitarra eléctrica y la armónica dan por sentado el espíritu que va a llevar el álbum. Rock, folk y rock progresivo todo aliñado por Bowie y sus acompañantes. Una canción larga en la que la parte final se alarga y unos instrumentos se “comen” a otros supliendo el protagonismo de la guitarra eléctrica y la armónica por los metales hasta el final. Vamos viendo las intenciones del artista británico de sorprender.

Y como la psicodelia estaba en auge o en declive según el caleidoscopio por el cual se mira, al igual que The Byrds, The Beatles o Jimi Hendrix, el tema siguiente "don´t sit down" es el más corto del trabajo con treinta y nueve segundos de duración." No te levantes" no deja de repetirse hasta que una risita de Bowie corta el tema dejando al oyente con ganas de más y un poco frustrado porque la canción promete, pero...

Nos acaba de dejar inmersos en una nube con los rayos del Astro Rey en los ojos y una balada de estilo pop y el sello de Bowie en sus inicios. "Letter to Hermione" fue escrita para la ex novia de Bowie, Hermione Farthingale, en clave de despedida. Una canción sentimental en la justa medida siendo una balada folk sin pretensiones, solo la intención de dejar claro los sentimientos del autor.

Llegamos a la mitad del viaje hacia las estrellas y nos reunimos todos los tripulantes de la nave en "cygnet committee". Una canción de casi diez minutos de duración, del mismo estilo que las anteriores, folk, pop pero mucho más espiritual que las anteriores. Angustia, quizá perdón, quizá solo sea la creencia en el amor y en el Yo como ser único e indivisible. El amor, la filosofía y los sentimientos de Bowie se unen en una declaración de intenciones llenando los párrafos de simbolismo y magia musical en una gran canción. En definitiva es una parodia sobre los líderes ansiosos de seguidores.

Paramos los quehaceres y el trabajo en la nave para comer, beber, hacer el amor antes de seguir viajando a través de las estrellas de nuestra constelación inventada.

Tras el descanso reanudamos la marcha a mitad de camino con "janine". Otra muestra de la influencia americana en Bowie, aquí a los sonidos folk se unen los sureños. En aquélla época estaba de moda el rock sureño. Así las guitarras del Sur y las del Norte hacen su trabajo de manera sencilla y efectiva. Para mi es una canción violenta sobre los efectos del amor enfermizo. El colocón de la vida real de nuestro mundo infunden en el hacha del protagonista una influencia bárbara junto al amor por Janine, una mujer aparentemente casada según la letra. El pobre amante ansía librarse de ese amor enfermizo.

En un sueño ocasional miramos a través de la rendija y allá abajo vemos a La Madre Tierra. Llegando a nuestro destino nos damos de bruces con un recuerdo maravilloso de un amor pasado, "an occasional dream". La segunda canción dedicada a Hermione Farthingale, ex pareja del autor. Una mirada al pasado reciente en el que las sábanas sin el olor de aquélla mujer y las visiones del rostro de la amada son cada vez más difusas, y solamente mirando su foto puede mantener vivo aquel amor pasado sin perderlo del todo. Como los poetas malditos del S. XIX, Bowie intentaba aferrarse a los sentimientos y ¿por qué? Quizá porque como todo creador necesita o necesitó en aquellos tiempos un poco de sufrimiento, porque sin él no somos capaces de crear dignamente. En el plano musical poca novedad existe, solo una flauta travesera fue introducida con mucho estilo acompañando a la guitarra acústica, a la percusión y al bajo. Para mi gusto el tema tiene gran influencia de Lennon, más que de el folk de Dylan.

Dejándonos llevar por los sonidos suaves, la espiritualidad del autor nos trae "wild eyed boy from freecloud". Un mundo imaginario, un personaje Wild Eyed Boy y la montaña Freecloud junto al pueblo llamado Dreadful nos llevan a una expresión de libertad en un nivel superior, una oda a la libertad o simplemente otra parodia sobre la generación flowerpower, porque Bowie siempre juega con las ideas de la cultura que le rodea. Ahora la música es más épica, vientos, arpa y subidones musicales y vocales acompañan al formato acústico del tema.

Alcanzando casi el final de este viaje maravilloso en el espacio temporal llegamos a "god knows i´m good", toda una limpieza espiritual de los demonios de Bowie, dios sabe que soy bueno, pero que mire hacia otro lado. Puede ser una contradicción, pero somos humanos y deben ser perdonados nuestros errores hagamos lo que hagamos. Una canción totalmente acústica, belleza sonora al más puro estilo folk.

Portada edición 40 aniversario

Antes de alcanzar el objetivo, antes de aterrizar en el Sol nos damos el festín con "memory of a free festival". La letra es un homenaje al Free Festival celebrado en 1969 en el Reino Unido. Una canción sobre el declive de la sociedad occidental, muy parecida a Simpatía por el Diablo de los Stones, no deja de ser un buen tema acústico también influenciado por Hey Jude de The Beatles por los coros finales. Fue single en el formato que la conocemos, pero la discográfica decidió partirla en dos partes debido a los siente minutos de duración. El sencillo tuvo las dos partes de la canción en las dos caras del single.

Así cerramos y acabamos el viaje prendidos por la llama de Febo y juntos dormimos en un sueño profundo con el recuerdo del maravilloso viaje a través de las estrellas.

David Bowie: guitarra de doce cuerdas y voz principal.

Rick Wakeman: teclados y mellotron.

Terry Cox: batería.

Tim Renwick: guitarra eléctrica.

Tony Visconti: bajo, flauta.

Herbie Flowers: bajo.

Benny Marshall and friends: armónica.

Paul Buckmaster: violonchelo.

Productor Tony Visconti.

El álbum consiguió el puesto 17 en UK en 1969 y en Estados Unidos el puesto 16 en 1973. El sencillo Space Oddity llegó al puesto 5 en UK.

Un gran trabajo de David Bowie dando un golpe de autoridad para hacerse un hueco en la escena musical que tantos fracasos le había dado tiempo atrás.

Domingo, dieciséis de Marzo de dos mil catorce.

Región de Murcia.

Pedro Molina.

enestadopuro.

TRIANA “EL PATIO”

En este capítulo de Clasicazos propuse a mis contactos de las redes sociales que nombraran discos para analizarlos en este blog, y entre muchos álbumes, todos buenos y grandes, me quedé con “El Patio” de Triana. Agradezco a Emilio Chicheri su idea de desmenuzar este disco, un clásico del rock español.

Situándonos en los primeros setenta, en España la música estaba cambiando hacia un camino más maduro y comprometido. Mucha culpa tenían los artistas ingleses y americanos, la influencia del rock y lo espiritual sentaron las bases que en los setenta forjaron artistas como Gong, Barrabás o Triana, el grupo sevillano que nos ocupa.

La suerte de Triana fue la unión de una gran voz y dos instrumentistas con una carrera formidable. La voz de Jesús de La Rosa, a veces flamenca, a veces rockera, su tintineo de teclados al más puro estilo británico, la batería potente de Tele y la guitarra española de Eduardo Rodríguez parieron un primer trabajo convertido en himno del rock español. Las colaboraciones sublimaron la música en los acordes de Antonio García de Diego (guitarra eléctrica), Manolo Rosa (bajo).

Las introducciones no siempre son necesarias, pero en este caso el contexto temporal es importante para entender el por qué de los sonidos del disco. Si tenemos en cuenta el antecedente flamenco en decadencia, Camarón rescató el arte para transformarlo, los grupos de jazz y flamenco como Gong o Goma hicieron lo que pudieron, pero fue Triana la banda que fusionó el arte con el rock progresivo, la metamorfosis se completó y nunca más la música española ha sido la misma. La madurez musical llegó con Triana por parte del sur español.

Comenzamos el álbum con "abre la puerta". Canción con introducción flamenca dando paso a la sinfonía rockera al entrar la voz de Jesús de la Rosa. Todo flamenco, todo rock. La niña abre la puerta de El Patio donde los luceros y el sol son los nexos de unión en la bienvenida. Unas bulerías escuchamos mientras la mañana comienza sentados en El Patio, allí un solo de teclado nos hipnotiza para que la niña nos sirva de enlace con la música. La niña, castañuelas en mano nos deleita con un taconeo al son de la española y la eléctrica. Sin olvidar la progresión hacia el rock. Aquí comienza la unión de dos rabias, el flamenco y el rock.

Portada El Patio (1975)

Con un vino en los labios disfrutamos de un pensamiento, las introducciones bien ejecutadas son las que contienen los grandes himnos. "Sé de un lugar" es la excusa perfecta en que el amor nos muestra El Patio en toda la plenitud de la mañana soleada. Entre sombras los amantes sufren y se aman al son de la cama-teclado y las guitarras dulces y afiladas. Junto a la voz de Jesús de la Rosa nos dan muestra de lo que llegará en breve a El Patio al que estamos invitados. Escarceo intemporal bajo la mano de Alá, o El Apolo romano en una guerra santa entre lo mitológico y lo humano para jugar con los acordes milenarios y las notas sintetizadas por la técnica del Siglo XX.

Las flores y los zagales juegan hasta que un niño llora por primera vez.

Un poco de baile a la hora del aperitivo, dureza guitarrera al estilo andaluz y un taconeo mientras el queso entra en la boca humedecida por la manzanilla. "Todo es de color" una "oda" a la primavera trianera en una escala diferente a las canciones de Jesús de la Rosa. En este tema el re menor fue sustituido por fa sostenido mayor en una canción compuesta por Manuel Molina y “Tele” Palacios

Como en los viejos tiempos damos la vuelta al disco y nos encontramos con "luminosa mañana". Otra canción con una introducción apoteósica a golpe de teclado, guitarra flamenca, palmas y redobles tribales que recuerdan el esplendor andaluz allá por la Edad Media. Soñamos en la noche primaveral en El Patio al que fuimos invitados y despertamos en una mañana soleada y fresca con el calor de Febo y con un café recién hecho entre las manos. El despertar de la tristeza abre una puerta al conocimiento nuevo en una mañana llena de esplendor. Este tema nos deja sabor a rock progresivo, aquel rock que tanto dio que hablar en la vieja Europa. Aderezado con notas andaluzas, más que nunca la fusión se nota en esta canción.

Hablamos, charlamos de filosofía. Lorca está en nuestras mentes y en un "diálogo" recordamos los amores pasados cuando la luna nos aconsejaba en sueños musicales sedientos de amar plenamente. Cerrando los ojos, los poemas de Lorca invaden nuestras almas al son de la guitarra flamenca y la voz de Jesús de la Rosa nos relaja abriendo los sentidos a los sonidos de la desesperación y el amor. “Y la luna me contestaba, para amar hay que sufrir”. El éxtasis musical ha llegado y nos lleva en volandas con estos músicos intemporales.

El gong da la hora de ir a otro escenario, haremos un pic nic entre amigos. Llevamos las guitarras y nos sentamos "en el lago". Y allí la música nos envuelve en una estrella fugaz buscando la voz que recita nuestros sentimientos. Esta canción hoy en día es un himno de la música bien hecha y un estandarte del rock en español. Si faltaban músicos en este disco, en este tema acompañó con la guitarra eléctrica Antonio García de Diego (ex Canarios, compositor y productor). El día que nos conocimos fuimos al lago y vimos el espectáculo maravilloso de las notas en el aire y allí, unidos por las manos nos bañamos mientras las notas de esta canción nos acariciaban. Acabamos en una apoteosis Crimsoniana pero, las notas finales son el estilo Triana que tanto echamos de menos.

Contraportada El Patio

Recordar las experiencias sentados en la hierba fresca de la tarde, mientras los primeros acordes relajan los espíritus del bosque que vienen a saludarnos y...

"Recuerdos de una noche" en la que me fui a enamorar nos trae bulerías en un compás de 5x8, puro flamenco sin olvidar el teclado armonioso de Jesús, incluyendo su voz andaluza desesperada y esa eléctrica de García De Diego. La locura, el desamor y la desazón del recuerdo nos deja la boca amarga entre versos y fiereza progresiva para irnos lentamente de vuelta a casa tras este viaje psicodélico y flamenco.

Un primer disco en el que la música española no fue ni es la misma. Marcaron la madurez y el cambio hacia un camino nuevo y muy largo. Triana marcó el principio de un estilo que ha hecho escuela, un gran disco, un gran trabajo intemporal. Nos vemos en El Patio con un vino y alguna tapa al son de flamenco y rock.

Triana nació como trío pero supieron acompañarse de grandes músicos en el estudio y he aquí el resultado bestial de el mejor o uno de los mejores discos del rock español.

Como anécdota este trabajo en principio se llamó Triana, pero las fotos de la portada y el interior de un patio le dieron renombre como El Patio.

Jesús de La Rosa: voz y teclados.

J.J. “Tele” Palacios: percusión y batería.

Eduardo Rodríguez: guitarra flamenca y clásica.

Manolo Rosa: bajo.

Antonio García De Diego: guitarra eléctrica.

Sábado, seis de Diciembre de dos mil trece.

Región de Murcia.

Pedro Molina.

enestadopuro.

A NIGHT AT THE OPERA

En este capítulo de Clasicazos, voy a desmenuzar este álbum de Queen publicado el 21 de Noviembre de 1975 en el Reino Unido, y el 2 de Diciembre del mismo año en Estados Unidos. El disco fue un punto de inflexión en la banda británica, primero porque fue el disco más arriesgado de Queen hasta la fecha tanto musicalmente como económicamente, (siendo la producción más cara del grupo hasta la fecha), y segundo, el álbum fue el primero grabado en Emi tras a ruptura con Trident y el anterior manager, Norman Sheffield. Como curiosidad, el nombre del álbum es una referencia a la película de los hermanos Marx del mismo título.

En toda carrera artística, de un trabajo a otro hay similitudes y evolución; esto le pasó a Queen. Después de tres álbumes grabados con cierto éxito, Queen (1973), Queen II y Sheer Heart Attack ambos de 1974. 

Portada A night at the opera (1975)

Este último tuvo más aceptación del público, incluso en Japón, donde hicieron una gira antes de entrar de nuevo al estudio en 1975. Con la ruptura de su anterior discográfica y manager, la banda comenzó una nueva etapa en Emi publicando el trabajo del cual hablamos. Metidos en materia comenzamos a analizar canción a canción.

El primer tema, "death on two legs (dedicated to…)", es una canción de Freddie Mercury en la que se vengó del expolio de Norman Sheffield hacia Queen, por el mal reparto de las ganancias en los tres trabajos anteriores, prácticamente vivían en la pobreza durante la gestión del exmanager. En lo musical desde este primer corte se nota el cambio o evolución de Queen hacia un rock más oscuro. Una melodía de piano de Mercury acompañada por un riff de Brian May y unos arreglos vocales magistralmente ejecutados. Oscuridad, rencor, angustia, son sentimientos palpables en este tema, en los que Freddie sacó su lado oscuro y maligno.

Del rock oscuro a las melodías alegres de cabaret en "lazing on a sunday afternoon". Otro tema de Mercury en el que el piano es de nuevo el instrumento principal y su voz, distorsionada le dan un aire retro con aire a viejo. Muy bien acompañado por May, Deacon y Taylor con una sólida base rítmica y buenos arreglos de guitarra. También es la canción más corta de Queen con una duración de un minuto y ocho segundos.

El siguiente corte es la aportación en la composición de Roger Taylor (batería), "i´m in love with my car". Si no hubiera estado Mercury, Taylor habría sido el vocalista principal del grupo. En esta canción la voz principal arrolla al rock haciendo de éste un estilo mediocre en la voz de Roger, -así se debe cantar señores-, me hace pensar cuando la escucho. Acelerones a “pie de tabla” sin dejar que el motor se relaje durante toda la canción. El tema es una muestra de la pasión de Taylor por los coches, fue cara B del sencillo Bohemian Rhapsody.

Y ahora, señoras y señores, el gran John Deacon (bajista) nos trae la cuarta canción, "you´re my best friend". El tapado de Queen fue Deacon porque no destacó igual que sus compañeros, dado su carácter de hombre tranquilo,  pero una cosa debo decir, los temas que más dinero dieron a la banda los compuso el bajista. Fue el segundo sencillo del trabajo, lanzado el 18 de Mayo de 1976 alcanzando el puesto número 7 en el Reino Unido. Una apuesta segura del grupo cercana al pop más comercial y un himno en sus conciertos. Deacon compuso la canción para su esposa Verónica. La canción tiene un piano eléctrico como instrumento principal, cosa que a Freddie no le gustaba y fue el propio John el que lo tocó en la grabación, llevando parte del peso de la rítmica junto al bajo.

Queen en 1975

Llegando a la mitad de este precioso camino nos encontramos con "39´", la primera canción escrita por Brian May (guitarrista) en el disco. Cantada por él mismo, es una muestra de la pasión de May por la astronomía y la ciencia. El tema nos cuenta la historia de unos astronautas que viajan en una nave en busca de nuevos mundos, al regresar a la tierra 100 años después ven que el mundo ha cambiado. Voces celestiales introducen los primeros acordes en una canción folk, sencilla, pero con una filosofía, la de Brian May y su particular visión de las cosas. El corte fue incluido en la cara B del sencillo You´re my best friend. Interpretada de diferente forma en el disco que en directo, como se puede apreciar en el álbum Live Killers, en vivo la cantaba Freddie y cambiaban algunos acordes de la introducción.

Seguimos con "sweet lady", otro tema de Brian May y de los más rockeros del trabajo. Cantado por Freddie, con Brian y Roger a los coros; el sonido de la guitarra proviene de la Red Special de May. Para Roger, la batería fue de las más difíciles que interpretó con Queen, y se puede afirmar que fue el tema predecesor de Tie your mother down (A day at the races) por el estilo caótico y asalvajado.

Cerrando la cara A del trabajo tenemos "seaside rendezvous", un foxtrot al estilo del blues de los años veinte. Compuesta y cantada por Mercury magistralmente dando muestras de su gran voz y destreza cantando y tocando el piano. En la parte central grabaron unos ruidos y sonidos de un "kazoo (mirlitón)" a manos de Taylor y Mercury. Una canción que invita a tomar algo rápido para seguir paladeando este gran trabajo.

Aprovechando este descanso debemos situarnos en la época de grabación de este disco. El mundo del rock era “propiedad” de bandas como Deep Purple, Led Zeppelin o Black Sabbath, y Queen deseaban abrirse paso en el rock duro o heavy rock. A night at the opera los llevó a la cima de los dioses del rock como intérpretes y compositores, haciendo suyo un estilo único y original destacando entre los otros grupos como pieza clave del universo rock.

Comenzando con la cara B tenemos "the prophet´s song", otro tema de Brian May. En este corte la voz solista estuvo a cargo de Brian y Freddie. La canción nos cuenta un sueño de May en el que pasaba una enfermedad. Este tema es conocido por la coral central a cargo de los cuatro integrantes del grupo en el que unas voces se comen a otras sumándose por detrás, subiendo y bajando como una coral, una idea bestial que enriquece el tema hasta convertirlo en algo más que una canción rock. Una canción guitarrera, melódica y rebelde por la apuesta tan arriesgada que supuso la estructura y los arreglos, una tónica a lo largo del trabajo, pura ambición y riesgo. En esta parte se repiten reiteradamente frases como “listen to the mad” o “listen to the wise” aparte del característico “la la la la”...

Foto de promoción del álbum

El final del corte anterior se une al comienzo de "love of my life". Compuesta por Mercury, cantada y tocada por él mismo al piano. En este tema se nota la influencia clásica de Freddie, en este caso se ve claramente una reseña a Chopin. Brian aparte de la guitarra, ejecutó los acordes de arpa. Un canto al amor en una situación de abandono, ruegos a la vuelta del amor perdido. En directo la tocaban en acústico en la que Brian tocaba la guitarra de doce cuerdas. Esta canción ha tenido sus versiones de manos de Extreme, Scorpions o la banda rumana Iris.

Llegando al final tenemos una dulzura como "good company" de manos de Brian May, en la que cantó la voz principal aparte de todas las guitarras, el banjo, el ukelele, menos el bajo y la batería. La canción narra la historia de un hombre de avanzada edad, en su juventud su padre le daba consejos respecto a las relaciones personales. Un tema divertido relajando el éxtasis musical para dar paso a...

Casi cerrando por descanso del personal como en los bares, nos llega "bohemian rhapsody", el tema estrella del disco y lanzada como sencillo el 31 de Octubre de 1975. Escrito por Freddie, es el tema estandarte de la banda tanto en el disco como en vivo. Un himno de la historia de rock en los últimos cuarenta años. No es una canción al estilo del rock o el pop, no posee estribillo, más bien es una rapsodia clásica compuesta por seis partes, una sección vocal como intro, una balada, un solo, una parte de ópera, una parte de rock y un final que retoma la parte de balada. La letra nos cuenta la historia de un reo condenado de asesinato, el cual escribe una carta a su madre desde la cárcel. La parte de ópera es una sucesión de referencias como “fandango”, “scaramouche”, “Galileo”, “Fígaro” o “Bismillah”. La estructura musical es claramente clásica al estilo de ópera, pero no fueron los primeros en hacer algo así, The Beatles en su tema A day in the life siguieron una estructura similar. Los coros fueron a cargo de Mercury, May y Taylor interpretados en medio, grave y alto respectivamente. La parte rock tanto en el solo como al final es sello Queen por los cuatro costados. Sin duda una de las mejores composiciones de todos los tiempos.

Freddie (izqda), John Deacon (centro) y Brian (dcha) 

Terminando igual que los conciertos de Queen nos damos de bruces con "god save the queen", arreglado e interpretado por May para el disco.

Un encuentro de sentimientos y pensamientos nos deja el trabajo, plasmando la vida diaria del grupo sobre todo antes de firmar con Emi, declaraciones de intenciones, religiosas, filosóficas de los cuatro componentes al realizar este gran álbum, sin duda de los mejores discos que he escuchado.

Una obra maestra del s. XX de esta banda británica que tantos himnos nos dejó a lo largo de su carrera.

Freddie Mercury: voz principal, coros, piano de cola.

Brian May: voz solista (39´), coros, guitarras, banjo y ukelele (good company) y arpa (love of my life).

John Deacon: bajo, piano eléctrico (you´re my best friend).

Roger Taylor: batería, coros, voz principal (i´m in love with my car).

Productor: Roy Baker.

Sábado, catorce de Agosto de dos mil trece.

Isla de Tenerife.

Pedro Molina.

enestadopuro.

EL ESPÍRITU DEL VINO I

En este nuevo análisis de Clasicazos, desmenuzaré El Espíritu del Vino de Héroes del Silencio, para mí y para muchos el mejor trabajo de la banda y uno de los discos más vendidos en España en los noventa. Para no perder la costumbre analizaré canción a canción, la mejor manera de entender este trabajo. Recorreremos juntos el camino a lo largo del álbum hasta lo más profundo de sus letras y veremos reseñas a clásicos y alguna que otra delicia.

Para este análisis es muy importante el antes y el durante, ya que este fue el tercer trabajo de Héroes, no fue una casualidad ni una inspiración pura. Fue la desembocadura de los anteriores trabajos, sobre todo de Senderos de Traición (1990). Con este álbum, la banda tuvo una evolución clara hasta Avalancha (1995), en parte provocada por la producción de Phil Manzanera.

Debido a la duración del trabajo lo publicaré en dos partes para una lectura y escucha más amena.

Con quince años me compré este disco en LP doble y así lo voy a comentar, cara a cara. Así le daré más solemnidad, espero no aburriros.

Para poder entender los temas os aconsejo que los escuchéis uno a uno leyendo el post y para ir al sitio donde los podéis escuchar pinchar encima de las canciones.

Portada de El espíritu del vino (1993)

Comenzamos con la cara A y nos encontramos el tema de presentación, "nuestros nombres", lanzado como sencillo en Mayo de 1993, aún faltaba un mes para la publicación del álbum. No podrían haber inaugurado mejor el álbum, esta canción define claramente lo que va a ser el trabajo, un disco complejo tanto en letras como en melodías. Como todas las canciones de Héroes ha sido protagonista sobre diferentes especulaciones por el sentido de la letra, pero todo lo tocado por ellos era muy complejo en lo que a letras se refiere. Conjeturas aparte, esta canción es el mejor desayuno para ir abriendo boca para el aperitivo hasta el plato fuerte. Una letra que invita al deseo sexual y lascivo hacia el trágico desenlace de un poema oscuro de cualquier poeta maldito del S.XIX. Una composición de Enrique Bunbury, pero como todos los temas de la banda fue atribuido a todos los miembros de la misma. Ya en este primer corte se nota la influencia en la producción de Phil Manzanera, ex guitarrista del grupo de rock progresivo Roxy Music.

El segundo corte, "tesoro", es una delicia de canción, muy corta para la longitud de las demás. Un tema muy pop, pero no deja de ser Héroes por la letra, la guitarra de Juan Valdivia y unos arreglos que invitan al rock progresivo y a la psicodelia. Un canto a la desesperación diría yo, pero no quiero ser de esos que lo quieren adivinar todo, me quedo con una frase de este estupendo tema, “ayer teñí de color sangre mis sueños”. Dejo que el lector se empape de la letra y haga sus propias conjeturas.

Seguimos con otro tema rockero, en este trabajo se puede ver la cara más salvaje del grupo, rock sin concesiones y letras incisivas criticando bajo poesía al Hombre en su máxima expresión. "Los placeres de la pobreza" es uno de los temas más marchosos del álbum. Guitarras desbocadas y voces desesperadas por ser escuchadas y así poder transmitir el mensaje de una canción magnífica tanto por la música y la letra, frenética desde el principio hasta el final. Desgranando un párrafo de la letra,  “ningún otro cielo en la tierra cruzó la cara al sí y al no dejando condena y cadenas del lado opuesto a la razón”, clara influencia de Nietzsche, el bien, el mal y el ser humano en medio de los dos, pero es mi opinión humilde al leer la letra. Y para acabar más frenéticos y locos por la embriaguez de este corte se permitieron acabarlo de sopetón pidiendo más y más y un leve “joder” se aprecia cuando el silencio se apodera tras finalizar el tema.

Acabando esta cara del LP se presenta "la herida", segundo sencillo publicado en Septiembre de 1993. Este tema recuerda a spanish caravan de The Doors por la parte lenta o acústica y luego repitiendo lo mismo hacen una parte rápida y dura. Bunbury claramente influenciado por la psicodelia, una constante en todo el álbum. La primera canción en la que Enrique tocó la harmónica como instrumento principal durante la parte acústica. Un tema épico y transcendental en la carrera de la banda por el éxito que obtuvo como sencillo y el vídeo musical grabado en el Teatro Principal de Zaragoza. Clara influencia de The Doors “siempre es la misma función, el mismo espectador, el mismo teatro”… Morrison se refería de forma similar a las actuaciones de The Doors. Una canción maravillosa en todos los sentidos, para algunos demasiado larga, pero los temas épicos son largos. Una letra inspiradora para pensar en las relaciones personales, la amistad es muy valiosa nos dice la herida al fin y al cabo.

Símbolos

Primera parada, vamos a darle la vuelta al disco, pero antes de seguir escuchando este trabajo maravilloso, centrémonos en la simbología del mismo. Sumerjámonos en la portada, de color rojo intenso, en el centro la calle Alfonso de Zaragoza distorsionada por una bola de cristal, rodeada de símbolos orientales bañados en rojo sangre. Una portada elaborada al igual que las canciones del mismo. Fueron muy importantes los símbolos, Héroes fue un grupo donde la iconografía era una constante, desde el emblema de la banda, una “S y una “H” superpuestas, hasta este trabajo donde los temas tienen cada uno su anagrama, todo estuvo muy cuidado y el diseño estuvo a cargo de Pedro Delgado, diseñador de portadas de discos.

Seguimos y empezamos la cara B, la aguja surca el vinilo y nos encontramos el primer corte, "la sirena varada". Una canción al más puro estilo Héroes, recuerda a sus primeras grabaciones, Héroes del Silencio (EP-1986)  y El mar no cesa (LP-1988), pero con una evolución muy clara respecto a sus inicios. Otra reminiscencia marina, e inspirada en la obra del asturiano Alejandro Casona llamada La sirena varada (1934), en la cual un grupo de personas decide vivir al margen de la sociedad, y el personaje de la sirena da un giro a los acontecimientos. En la canción, Enrique canta a la sirena a que vuelva al mar, dando más importancia a la imaginación que al sentido común. Este tema apareció como sencillo en Octubre del 93´ siendo uno de los estandartes del grupo y una de las canciones más aclamadas en directo. El vídeo clip se grabó en Villajoyosa (Alicante)  y en Talamanca del Jarama (Madrid). Dirigido por John Clayton, quien dirigió a Texas entre otros.

Siguiendo en la andadura, llegamos a una canción que marca la diferencia por la duración (es la más larga, con siete minutos) y por la estructura sombría de las melodías. "La apariencia no es sincera", un ritmo constante, machacón y muy suave en las estrofas, para llegar al estribillo, subidón muy comedido donde las guitarras y la voz suben para diferenciar claramente que están mandando un mensaje. Como todas o casi todas las canciones del grupo tiene tres partes, en este caso la tercera parte es un puente al estribillo hacia el solo de Juan Valdivia (guitarrista), y curiosamente esta parte es la que acaba la canción. La letra es de las más elaboradas del disco, no queda claro si habla de una mujer y un hombre o de la amistad entre ambos, o no.  De todas formas, lo importante es la ambigüedad y los sentimientos que desata al escucharla.

Llegamos a un punto donde la experimentación del grupo daba frutos, el tema "Z" es claro ejemplo, un melodía de 51 segundos de duración, en la que Juan Valdivia interpreta magistralmente la pieza de influencia country con una guitarra acústica, dejando clara su habilidad en el punteo con la mano derecha. Una licencia que se permitieron, para dejar patente su valentía y hacer también un guiño a los grupos clásicos como The Beatles que hicieron lo mismo en alguna ocasión, por ejemplo dig it (Let it be 1970).

Foto promocional del disco

"Culpable" es el siguiente tema, una declaración de intenciones del grupo o de su letrista, Enrique Bunbury. Dejando claro que es un hombre serio a pesar de su imagen rockera y oscura, dando claras explicaciones de quién es y sus preferencias intelectuales, la filosofía. Desaprender es en lo que hacen hincapié en una estrofa repitiéndola dos veces y dejando un vacío musical que invita a pensar, “y a lo aprendido en la escuela, me negaré… del todo”. El resto de la letra es un ejemplo de los excesos que rodeaban a la banda, las giras, el trabajo desmedido y todo lo que rodea un grupo de rock. Hay más en esta letra, un fondo que recuerda a "Baudelaire", sea así o no, la letra es magnífica. En cuanto a la música volvemos hacia el rock oscuro tan característico en sus comienzos, incluso me atrevo a escribir que veo influencias de The Cult, juzgar vosotros queridos lectores.

Tercera parada en este caminar por los surcos de esta obra. Aprovechamos el descanso para beber algo que contenga alcohol y fumar un cigarrillo.

Las giras fueron intensas y muy largas, recorriendo España, Alemania, Latinoamérica. Para los conciertos, debido a la complejidad de las canciones necesitaron un segundo guitarrista. Alan Boguslavsky fue el encargado de apoyar a Juan Valdivia con las seis cuerdas. Lo conocieron en Mexico D.F. y no dudó en apuntarse al proyecto.

Enrique Bunbury: voz principal, harmónica, guitarra acústica.

Juan Valdivia: guitarra principal y guitarra acústica.

Joaquín Cardiel: bajo y coros.

Pedro Andreu: batería.

Phil Manzanera: segundas guitarras.

Copi Corellano: pianos.

Producción: Phil Manzanera.

Jueves, uno de Agosto de dos mil trece.

Isla de Tenerife.

Pedro Molina.

Segunda parte, pincha aquí

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EL ESPÍRITU DEL VINO II

Ponemos en el pickup el disco dos por la cara A y suena el primer acorde de "el camino del exceso". Una canción que resume la vida del grupo durante la grabación del trabajo y su vida como banda. Aquí es donde más se refleja el poema de Baudeleare, el alma del vino. No hay medias tintas al hablar del exceso como doctrina, religión y modo de vida. Un guiño al poeta y pintor británico William Blake, “si estás dispuesto a afrontar la escena, no es de William Blake”, místico en el que el exceso formó parte de su vida. Igual que Baudeleare o Morrison, grandes poetas y bohemios en un mundo extraño para ellos. El Tedio del artista se hace latente en el tema, el vino, las drogas, son estandartes en este tema. La música es frenética, unos solos de guitarra hacen que su crudeza sea más fuerte. La importancia de esta canción llegó al punto de llamar a la gira, El Camino del Exceso o la Gira del Exceso, uno de los mejores temas del rock en español.

Contraportada de un disco publicado en Alemania

Después de la tormenta viene la calma, eso dicen, y el siguiente corte es otro emblema de la banda. Este disco está lleno de ellos, himnos de la música en español. "Flor de loto" es un ejemplo de cómo hacer grandes canciones, fue sencillo y su repetición en las radios la subió a la cima de los éxitos de Héroes. En línea parecida a La herida, parte acústica hasta la mitad del tema para entrar fuerte las guitarras y la batería. Guitarra acústica, sitar, bajo y voz es el comienzo de la canción para acabar en la cúspide de la montaña rusa para bajar despacio montados en un sitar. Como el nombre indica, el resurgir de sus cenizas, la resurrección como tema principal o simplemente la buena suerte, hablando de Héroes todo es posible. De nuevo tenemos la “ironía” socratiana y la búsqueda de la felicidad o el amor, una filosofía muy agustiniana. Otra muestra de la seriedad de la banda en las letras.

Como todas las bandas clásicas, Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath, Héroes no iban a ser menos, incluyeron un solo de batería de Pedro Andreu en una pieza llamada "el refugio interior". Sonidos del mar y una risa socarrona dan el pistoletazo de salida para que Pedro comience con un compás de doble bombo acompañando el ritmo de caja y redobles hasta el final de la pieza. Un solo muy oscuro, apenas tiene platos, potencia y salvajismo en este pequeño corte.

Llegando a nuestra próxima parada nos encontramos con "sangre hirviendo", uno de los temas más rockeros del grupo y de los que mejor han funcionado en directo, muy cercano al rock duro español con un estribillo pegadizo. Una letra que anima a salir a la calle con las pilas cargadas de ansia por vivir, de eso habla la canción, las ganas de hervir la sangre y sentirnos más humanos que nunca, al tiempo de contagiar esa ebullición a la persona que tengas al lado. Una canción trepidante en el cenit de Héroes.

Cartel Gira El Camino del Exceso

Última parada en este largo recorrido por este magistral trabajo. Momento de un café, ya que el cansancio aflora. Encendiendo un cigarrillo os diré que uno de los culpables del sonido de este álbum fue el productor Phil Manzanera. No olvidemos que Héroes eran un diamante en bruto en los tiempos de Senderos de Traición cuando conocieron a Manzanera. Ese sonido que culminaría en Avalancha (1995), y estoy seguro que si no lo hubieran conocido las canciones de Héroes no serían lo que fueron y son.

La cara B del segundo vinilo se deja acariciar por la aguja. Empieza sonando "tumbas de sal", una canción rockanrolera donde las haya con dos grandes solos de Valdivia y una potente base rítmica como en todas las canciones. Pura fuerza y transmisión de ideas en las estrofas. A veces parece un tema salido de un bar nocturno y otras una letra inspirada por el filósofo más oscuro y aventurero.

No podía ser menos Enrique; Juan y Pedro tuvieron su momento en solitario y el debía tener el suyo. "Bendecida 2"es su momento, cantando a pelo y haciendo él mismo los coros, un fondo grave como base, su voz natural de solista y un coro más alto para dar un aspecto más psicodélico. Es la pieza más corta con 32 segundos de duración, solo una estrofa, ¿para qué más?

Llegando casi al final de nuestro viaje, nos encontramos con una máquina de discos en un bar de carretera, una canción llamada "bendecida" suena. El tema, es el menos Héroes de todo el trabajo, esa es mi impresión. Una canción de amor escrita por Bunbury a la actriz italiana Benedetta Mazzini con la tuvo una relación sentimental. “Bendecida fue la causa de mi fortuna”, una bendición es el amor conocedor en los primeros instantes. Sensaciones y sentimientos lo inundaron en su viaje a India y Nepal antes de entrar en el estudio a grabar este disco. Cuidada producción y todo en su justa medida es el resultado de tan bonita canción, una bendición. Primera parte de las tres "bendecidas", acabando con La chispa adecuada (bendecida 3).

Cartel de un directo en Alemania

Una obra épica debe acabar como tal, de eso sabe bien Manzanera y por eso "la alacena" cerró este álbum. Una balada que viene a resumir lo que son Héroes, unos jugadores de dados, el porvenir, el pasado se encuentran en el piano de Copi Corellano, amigo de la banda y colaborador de los componentes en proyectos futuros, todo amenizado por unos arreglos orquestales muy serios y bien puestos en las pistas. Un broche de oro a este estupendo disco doble, dieciséis canciones magníficas e irrepetibles, un antes y un después en el rock en español.

Hasta aquí este análisis, a los seguidores de Héroes les gustará y a los ingratos que "volaron" con la banda y ahora los olvidaron y hoy rechazan su recuerdo, porque no olvidemos que vivimos en un país desagradecido con la cultura nativa, el español es así, pero yo no.

Enrique Bunbury: voz principal.

Juan Valdivia: guitarra principal.

Joaquín Cardiel: bajo y coros.

Pedro Andreu: batería.

Copi Corellano: pianos.

Phil Manzanera: segundas guitarras y producción.

Jueves, uno de Agosto de dos mil trece.

Isla de Tenerife.

Pedro Molina.

Primera parte, pincha aquí

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WHITE ALBUM I (1968)

PRIMERA PARTE

En esta edición de Clasicazos desmenuzaré el Álbum Blanco de The Beatles de 1968, ¿por qué este disco y no otro?, porque es uno de mis favoritos, porque es un trabajo genial y muy actual y porque se lo merece esta obra maestra de la música popular. Llamado simplemente The Beatles y conocido como álbum blanco en español. Como siempre en esta sección destriparé las canciones, contaré anécdotas, pero este trabajo contiene treinta y dos temas y es un disco doble, haré primero el primer disco y después el segundo en otro post para que sea más llevadero leerlo.
Para escuchar las canciones solo tenéis que pinchar en el nombre de cada una y os llevará al sitio web.

White album (1968)

Empecemos que se va el tiempo con presentaciones, visualizando el LP, o sea, el vinilo encontramos el disco uno, lo cogemos por la cara A y encontramos las primeras canciones:

Ponemos el vinilo en el toca discos y ahí suena:

El tema inaugural es la maravillosa "back in u.s.s.r." (aunque la mayoría de las canciones fueron firmadas por Lennon/McCartney, en este trabajo comenzó la composición individual de cada uno para afianzarse hasta la disolución del grupo). El tema lo cantó Paul, así que fue una composición suya. La curiosidad es la influencia de The Beach Boys en las armonías vocales y las guitarras surferas. En estas sesiones de grabación Ringo dejó la banda temporalmente y la batería de esta canción y la siguiente fue a cargo de Paul. Este tema es bastante rockero, guitarras fuertes, buenos coros, un buen comienzo para abrir esta obra.

Hagamos una breve pausa para ponernos en el escenario de la composición de los temas. The Beatles hicieron un viaje a la India a pasar unas vacaciones invitados por el "Maharishi Mahesh Yogi", con ellos iban algunos componentes de The Beach Boys, Mia Farrow, Donovan, alguna mujer-beatle y no se quien más fue en ese viaje. El único instrumento que tenían a mano de occidente eran guitarras acústicas que aprovecharon para componer las canciones del álbum. Donovan, cantante escocés los influenció bastante sobre todo en el punteo de guitarra, el cual aprovecharon para incluirlo en algunas canciones. Allí en plena naturaleza mediante la meditación trascendental descubrieron el valor individual de cada uno, ya no había vuelta atrás, el grupo estaba madurando del mito a personas normales y corrientes, algo pasaba.

El siguiente tema fue escrito en ese viaje a la India por Lennon, "dear prudence", lo dedicó a la hermana de Mia Farrow, Prudence, fue una de los miembros durante esa estancia en la India. Mientras meditaba tenía pesadillas y se encerraba en su cuarto y no quería salir, así que John para tranquilizarla escribió esta maravillosa canción. Es otro tema en el que la batería fue a cargo de Paul. “querida Prucence, ¿no quieres salir a jugar?, frase que se repite en todas las estrofas haciendo referencia a la hermana de la señorita Farrow. El punteo de guitarra acústica es claro del aprendijaze por Lennon de Donovan al que hacía referencia antes.

Foto perteneciente al interior del disco

El tercer corte es "glass onion" aquí se palpa el cambio de las letras de John hacia algo más profundo inspirada en los fans que perdían su tiempo intentando encontrar significados a las letras del grupo. En este corte se aprecia algo que venía desde Revolver (1966). Lennon estaba cambiando su forma de componer, al igual que George, andaba por nuevos caminos experimentando con la psicodelia, este tema es una claro ejemplo, una letra diferente, cuerdas siniestras sin apartarse del pop, simplemente genial.

La siguiente canción es tan dulce como un pastel de merengue, suave, un tema pop llamado, "ob-la-di- ob-la-da" una canción muy pop, quizá muy británica, no se, pero me parece que hay aquí algo muy Kinks. Un tema cantado por Paul e inspirada en la fama que estaba cogiendo el reggae en Inglaterra durante la época, Paul tomó prestada esa expresión del músico nigeriano Jimmy Scott para el título del tema. Anecdóticamente Lennon odiaba este tema, llamándola “una de las mierdas para abuelitas de Paul”. Abandonó la sesión de grabación. Después de muchas tomas y cambios de estilo, una noche John apareció en el estudio bastante colgado e interpretó la intro de piano más rápida y fuerte, esa fue la versión definitiva de la canción. Como apunte personal, lo que hacía grandes a estos músicos era en otras cosas, que podían trabajar separados y eran buenos, pero sin las pequeñas opiniones y colaboraciones entre ellos no se podía conseguir la excelencia musical, así eran.

A partir de aquí se empieza a notar la influencia de su viaje a la India, los días de creatividad explosionaron como una bomba de hidrógeno, así que necesitaban todos los estudios de Abbey Road, los ocupaban con varios productores, ingenieros de sonido, hasta ellos mismos produjeron buena parte del material, pero no salieron en los créditos como productores.

En la siguiente canción se ve este ejemplo, "wild honey pie" es de esos temas de McCartney en el que toca todos los instrumentos sin ser una gran pieza en la composición. Paul la grabó en el estudio 3 de Abbey Road, le gustó el efecto de la guitarra acústica, la grabó y se incluyó en el disco gracias a Patty Boyd (ex mujer de Harrison). The Pixies hicieron una versión de este tema.
Siguiendo este patrón, llega "the continuing story of bungalow bill", una historia de Lennon sobre Buffalo Bill, cuenta la historia de éste pero algo distorsionada. Fue la primera grabación en la que una mujer cantaba como solista, Yoko Ono cantó la frase “not when he looks so fierce”.

Aparte de la diferencia estructural de los temas, Harrison se estrenó en este trabajo con "while my guitar gently weeps", todo un clásico a día de hoy, pero en aquellos tiempos fue una composición laboriosa para George cambiando las estrofas hasta que quedó como el quería. Una canción filosófica sobre sus creencias orientales de que todo está relacionado entre si. Todos sabéis que la guitarra solista de este tema lo grabó Eric Clapton, ¿por qué? The Beatles la grabaron de dos formas, una acústica y otra eléctrica con los solos de George, pero a éste no le convencía y llamó a su amigo Clapton, la grabó y quedó así, con un leve balanceo a esa guitarra porque Eric dijo que no era lo bastante beatle, quedó tal y como la conocemos. Una de las mejores baladas del rock a cargo de Harrison, incluyendo unos de los más grandes solos de todos los tiempos.

Si lo recordáis, para los que hayáis leído mi análisis del disco Dark side of the Moon, en un tema Pink Floyd cambiaba de estructura 4/4 a otros compases, alternaban la sucesión de pasajes para cambiar la estructura. En el tema siguiente The Beatles hicieron lo mismo, no fueron Pink Floyd los primeros, siempre en la historia musical de los últimos cuarenta años los de Liverpool fueron los primeros en casi todo musicalmente hablando. El tema que nos ocupa es"happiness is a warm gun". George Martin (productor) mostró a John una revista que decía esto mismo y a él le pareció una buena frase, así que la escribió. Aparte de que John lo dijera, yo lo afirmo, la canción es una lección de rock and roll, porque empieza casi acústica, sigue con guitarra distorsionada, batería y bajo muy pesado todo, un 4/4, para dar paso al solo de George cambiando a 3/4, un solo fantástico. Empezada la vorágine de cambios de compás añadiendo un trocito de un tema de John llamado i need to fix, pasando a la parte de “mother superior jumped the gun” con un 9/8 y un 10/8, una locura para tocarla en vivo, no creéis. Para finalizar con estilo doo wop a los años 50´s en un 4/4, menos la guitarra que hace un 3/4, un claro ejemplo de la polimetría de The Beatles. Algo tendrá este tema cuando artistas tan dispares como Tori Amos, U2, The Beeders o los españoles Sexy Sadie la versionaron, a parte de servir como inspiración a Radiohead con el que acabaron su tema paranoid android.

Seguimos con "martha my dear", un composición de Paul sobre su perrita Martha. Es la segunda canción del disco en el Paul fue el único beatle en tocar en una canción. Solo acompañado por músicos de estudio en los metales. Tiene una clara influencia de jazz y unos arreglos de viento-metal muy al estilo del grupo en esos días, cambios a otras escalas diferentes a mi, un tema precioso para paladearlo.

Foto del vídeo clip  Revolution (1968)

El siguiente corte se grabó en la misma sesión que Bungalow Bill, i´m so tired", otra composición escrita en la India una noche que John no podía dormir pensando en Yoko.

Ahora que llevamos la cara B bastante avanzada nos tranquilizamos con una canción acústica de Paul llamada "blackbird". La letra en la que se inspiró McCartney fueron los enfrentamientos raciales en América en 1968. En el tema musical poco hay que decir, Paul la grabó en Abbey Road con una guitarra acústica, su voz y un sonido efecto metrónomo con su pie izquierdo. Tan sólo el canto de un mirlo (blackbird) se escucha de fondo como efecto. Pero es otra canción de la que se han hecho muchas versiones, por mombrar a algunos, por ejemplo Dave Grohl, Billy Preston, Sarah McLachlan, Grateful Dead, Jaco Pastorious, desde el rock alternativo, hasta el jazz.

Siguiendo con este análisis demosle paso a Harrison y sus "piggies". George se hizo eco de los problemas sociales de la época y compuso esta canción, letras inusuales en The Beatles, un tema de corte social, del cual Charles Manson , el conocido asesino hizo suyas las palabras de la canción “what they need´s a damn good whacking” (lo que necesitan es una buena y maldita bofetada). Musicalmente llama la atención su estilo barroco, la voz fue a cargo de George, menos la estrofa central que fue a cargo de Lennon.

En plena incursión beatleliana hay que respirar un poco y levantar la cabeza para ver el alcance real de este trabajo. Sigamos con "rocky racoon", un tema de Paul que da aire fresco por su influencia western, algunos dicen que el tema es una parodia de un disco de Bob Dylan. Fue escrita en la India inspirada por una sesión de John con Donovan. George Martin tocó el piano honky tonk que le dio ese aire del oeste.

Ringo hizo su debut como compositor con "don´t pass me by", realmente la escribió en 1963, pero fue rechazada por el grupo. La rescató para este álbum dando una buena imagen como compositor. Lo más curioso es que según fuentes, Ringo y Paul fueron los únicos que tocaron en el tema, voz, batería, piano y bajo respectivamente y Jack Fallon interpretó la parte de violín.

El siguiente corte es un juego de palabras, "why don´t we do it in the road?", cada cual que lo interprete a su manera. Compuesta por Paul es una canción en la que un solo verso se repite en un riff de piano blusero, porque es un blues al estilo McCartney. Otra canción en la que solo tocaron Paul y Ringo, no hay guitarras. Hay muchas versiones pero yo destaco la de Dana Fuchs, es maravillosa.

Actuación en un programa de T.V. tocando Hey Jude
1968

Seguimos con la número 8 de la cara B "i will". Como todos los músicos, Paul tenía su musa, Jane Asher, su pareja de entonces y esta canción es la ultima que le escribió, al igual que el hijo de John, Julian, lo inspiró para hacer "hey jude". Es una bonita canción acústica en la que George no participó. Gente como Diana Ross o The Cars hicieron sus versiones entre otros.

Parece un trabajo de cuatro músicos que se conocen en un bar y graban un disco, en lugar de ser un grupo, continuas idas y venidas enriquecieron el trabajo, de esta manera hoy está más fresco, es un disco con un aire renovador para la época.

Acabando el primer disco de este magnífico trabajo, o como dicen en en jerga literaria, primera parte. Acabamos con "julia", canción escrita por John dedicada a su madre (Julia) y a Yoko Ono en el verso “oceanchild: calls me”, ya que el nombre de Yoko en japonés significa hija del agua. Es un tema acútico, solo la guitarra y la voz de John. Durante la estancia en la India, Lennon aprendió a tocar el punteo con la mano derecha, lo aprendió de Donovan, antes lo he explicado, Julia tiene ese punteo.

Cerramos esta primera parte, he analizado, desmenuzado para que al leerlo y escuchar las canciones os sumerjáis en el océano de esta obra maestra.

Miércoles, cinco de Junio de dos mil trece.

Isla de Tenerife.

Pedro Molina.

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